Hinter den von Adolfo Riestra vorgestellten Tonpuppen steckt ein rasender Stilimpuls. Keine Kontingenz beschränkte oder enthielt diesen gewaltigen Ausdrucksstrom, der verschiedene Regionen der zeitgenössischen Kunst befruchtete.
Der rigorose Formalismus der Skulpturen, die hauptsächlich in der letzten Phase der Produktion hergestellt wurden - hieratisch und streng, gleichzeitig mit Licht und der Enthüllung einer zweifellos kritischen Haltung gegenüber der Kunst - bestätigt die Freiheit, mit der dieser Künstler den Weg zur Entfaltung von a eingeschlagen hat Persönlichkeit, die dazu bestimmt ist, mit einer vorteilhaften und „folklorisierten“ Tradition in Ton und Keramik zu brechen, um sie in eine innovative Richtung zu führen.
In seinen skulpturalen Arbeiten zeigen die Erinnerungen an alte Zivilisationen und Kulturen, die vor Jahrhunderten verschwunden sind, weder den Charakter einer anmutigen Verlassenheit noch eine rhetorische Art und Weise, die an die Größe anderer Zeiten erinnert. Die Revision, auf die Riestra sein ganzes Leben lang bestand, befasste sich eher mit dem plastischen Inhalt der Antike, um sie zu entweihen und ihnen den Glanz der Pracht zu entziehen, den die moderne Vernunft - von der Renaissance bis zu unseren Tagen - hervorhob.
Abbrucharbeit, lautes Heulen des Protests gegen eine ganze Vergangenheit, die wie Ballast die Suche verbirgt, ist genau der Weg, auf dem sie ein offenes Terrain erreicht, ohne Wertehierarchien, die Mittelmäßigkeit oder konformistische und manipulierte Müdigkeit rechtfertigen. eine Welt voller Heuchelei. Die Rücksichtslosigkeit, mit der er seine Arbeit ausführte, geht über die Pläne hinter der Avantgarde und die Stereotypen einer gottlosen Gesellschaft hinaus, die der Jargon der Kunst um der Kunst willen umfasst. Die Bestrafungssporen, die in den fruchtbarsten Jahren seiner skulpturalen Produktion zugefügt wurden, waren Hindernisse, die mit vollem Gewissen angenommen wurden, um tief in die Paradoxien einzudringen, die den Schöpfer oft begleiten, der sich nur seiner Arbeit verschrieben hat. Er gab nie den Zweck auf, der Entstehung der Kunst Rechnung zu tragen, und bestand immer darauf, immer wieder auf das kleinste zufällige Merkmal zu achten, das mit dem Arbeitsprozess selbst vereinbar war, und korrigierte, bis er mit seiner Schöpfung zufrieden war. Unterstützt von diesem gewundenen Angriff auf die plastischen Probleme, die von seiner Vorstellungskraft formuliert wurden, lieferte er Lösungen und definierte, was wir als „Willen zum Stil“ bezeichnen könnten.
Adolfo Riestra bemerkte sehr früh die Stärke und den Reichtum des Zeichnens, die schnelle, spontane, freie und vorurteilsfreie Graphitlinie auf Papier, von der aus er eine Achse festlegte, um den geeigneten Weg zur Skulptur zu bestimmen. Der voluminöse Tintenordner, der in einigen Fällen kleine Wunderkinder enthält, ist ein vorangegangenes und treues Zeugnis eines technischen Bedürfnisses, die integrative Vorrangstellung zu erkennen, die eine einfache Linie für die Grundlage der Räumlichkeit, der skulpturalen Dreidimensionalität enthält. Die Zeichnungsausbeutung untermauerte seine geometrische Meisterschaft, die später als Scharnier diente, um die Logik der Figuration zu enträtseln, und nutzte schließlich seine Hauptwerke aus Ton. Die kreativen Anliegen dieses Künstlers konzentrierten sich auf den schwindelerregenden Rhythmus von Ideen und Träumen, der ihn in Atem hielt, aber letztendlich, wenn er an die Oberfläche gedrückt wurde und diese Skizzen einatmen durfte, zur Matrix seiner Stücke wurde. Vertreter. In diesem Sinne verwendete Adolfo Riestra die Zeichnung als Hypothesenbedingung für eine spätere Entwicklung sowohl in den Gemälden als auch in der Terrakotta.
Obwohl seine Kreativität in der Skulptur die maximale Ausdrucksspannung erreichte, war die Malerei im Prozess der plastischen Forschung nicht weniger entscheidend. Wie das Zeichnen war das Malen für Riestra eine Besessenheit, die er niemals abschütteln konnte. Darüber hinaus hätte es seiner skulpturalen Arbeit ohne sie an Inhalt gefehlt, da er wusste, dass das Wissen des Malers, die Raumtiefe auf der Ebene beizubehalten, für die skulpturale Arbeit wesentlich war. Das Gemälde war "Rohstoff" - den Ausdruck wert - für die Festigung seiner "Ideen", eine Art Instrument, aus dem die Skulptur Gestalt annahm, ohne ihre inhärente Gültigkeit zu verlieren. Dies und das Gemälde waren zwei begleitende Momente in Ristras Werk, die beide die Besonderheiten ihrer jeweiligen Arbeitsweise nährten und zeigten. Der Kampf zwischen den beiden Wegen speiste seine künstlerische Vision der Welt an: Die koloristische Kraft seiner Palette verstärkte die orgiastischen Werte des Gemäldes, und der natürliche Ton des Tons ermöglichte es ihm, die Wärme und das Drama der Skulptur zu betonen, die aus seiner Werkstatt stammte.
Die Verbindung zwischen den drei Aspekten - Zeichnen, Malen und Skulptur - bildet den Verlauf eines kreativen Prozesses, der von der Intuition unterstützt wird - mehr als spekulative Vernunft - und mit dem Ziel angeregt wird, das zu erzeugen, was wir als „Kunstwerk“ bezeichnen könnten. Seine raffinierte Technik, wie ein gut temperiertes Seil, ermöglichte ihm eine präzise Ausführung - selbst in den störendsten Stücken - außerhalb jeglichen Nachladens, das den Kraftinhalt der Arbeit verwässern könnte. Technische Meisterschaft, die ansonsten unverzichtbar war, obwohl sie für Adolfo Riestra ein entscheidendes Thema war, war jedoch nicht unverhältnismäßig wertvoll. Dies ist wichtig für das Verständnis seiner Reise, da das Bewusstsein für das technische Problem und die manuellen Fähigkeiten unausweichliche Bedingungen in seiner Entwicklung waren, aber niemals das endgültige Ziel, wie ein großer Teil seiner Produktion bestätigt. Er wusste sehr gut, dass die Werte der Kunst nicht nur an der Schneiderei gemessen werden, sondern diese einbeziehen und übertreffen. Die künstlerische Transformation des Materials setzt einen zusätzlichen Aufwand voraus: Zusätzlich zur Herstellung auf den Ton zu drucken, was "die Stille in Resonanz bringt" (Gelaut der Stelle, wie Heidegger sagen würde), um seine "Entdeckung" in der "Umgebung von" zu erreichen Werk der Wahrheit “. In diesem Zusammenhang wird jedes Werk, jede Linie oder jeder Pinselstrich, jede modellierte Idee in eine historische Perspektive gestellt, in einen Evolutionsprozess und in die Schaffung eines Kunstwerks, in dem die Wahrheit eingeschrieben ist und die eigene Erfahrung des Künstlers mit der Welt lokalisiert ist.
Wachstum ist ein Zeichen von Vitalität, das sich aus dem Gleichgewicht zwischen Form und Inhalt, Doppelfunktion und dem ersten und innovativen Keim einer für jeden subversiven Akt typischen singulären Sprache zusammensetzt, um die Realität zu brechen, die auf einen zu definierenden Horizont projiziert wird. die Modalitäten einer Epoche. Es ist klar, dass Riestra ein Experiment mit Sprache und Bedingungen in diesem Bereich vorschreibt, in dem Originalität im strengsten Sinne in Frage gestellt wurde. Der Bruch ermöglicht Fortschritte, die als Wiederherstellung des menschlichen Zustands und nicht als Kult des Fortschritts verstanden werden, der auf der Anhäufung von Informationen beruht, die der technokratische Wissenschaftler so sehr gackert.
Von Werk zu Werk gelingt es Adolfo Riestra in jedem Werk, den Mann in einem Spiegelspiel zu reflektieren, aus dem der Betrachter zusammen mit dem Künstler "die gefrorene Vision" (wie Cuesta sagen würde) gründet, erschafft und umgestaltet, um sie zu animieren überraschen und das Geheimnis der Kunst durchdringen. Die Erfindung einer Sprache ist das Wichtigste, jedoch unter der Bedingung, dass sie die Beziehung zwischen Schöpfer und Zuschauer ermöglicht.
Durch eine sorgfältige Überprüfung von Riestras Zeichnung, Malerei und Skulptur sehen wir uns mit der berauschenden Entwicklung eines dionysischen Geistes in ständigem Konflikt konfrontiert, der sich auf einen permanenten Kampf konzentriert, in dem die tragische Vision des Lebens, dh der Kunst, unausweichlich ist. Der Betrachter seinerseits warnt und beteiligt sich an der latenten Freiheit in der Sprache jener Darstellungen, die es ermöglichen, das Chaos, den Abgrund, ohne einen Boden zu erfassen, nur mit Hilfe der Form zu erfassen, die, wenn sie offensichtlich wird, mit der Monotonie der kleiner Alltag.
Die Reflexionen von Adolfo Riestra sind in seiner Arbeit überraschend: Sie werden zu außergewöhnlichen "Dingen", die von dem genährt werden, was Kundera "die unerträgliche Leichtigkeit des Seins" genannt hat.
