Warum begeistern Javier Marins Skulpturen den Betrachter, der vor ihnen ein leichtes Lächeln der Zufriedenheit zeichnen kann? Was ist die Anziehungskraft, die sie erwecken? Woher kommt diese Konzentrationskraft, die die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zieht? Warum haben diese Tonfiguren in einem Bereich für Aufsehen gesorgt, in dem die Skulptur in Bezug auf andere Formen des plastischen Ausdrucks diskriminierend behandelt wird? Was ist die Erklärung für das erstaunliche Ereignis?
Die Beantwortung dieser - und vieler weiterer - Fragen, die wir uns stellen, wenn wir Javier Marins Skulpturen „sehen“, kann und sollte keine automatische Operation sein. Angesichts ähnlicher Phänomene ist es, um die Wahrheit selten zu sagen, notwendig, mit Bleifüßen zu gehen, um nicht in unerwartete Fehler zu geraten, die nur die Aufmerksamkeit vom Wesentlichen verwirren und ablenken, von dem, was inhaltlich und fair ist und was in der Arbeit eines Autors offensichtlich zu sein scheint jung, noch im prägenden Stadium, dessen Virtuosität zweifelsfrei ist. Javier Marins Werk verzaubert und die Faszination, die die Geister sowohl des verstohlenen Beobachters als auch des strengen und kalten Kritikers erregt, erweckt den Eindruck eines Zusammentreffens, was einen an die Entstehung eines vielversprechenden Künstlers mit enormem Potenzial erinnert, über den man meditieren muss mit der größtmöglichen Gelassenheit.
Erfolg ist uns hier wenig wichtig, denn Erfolg ist - wie Rilke sagen würde - nur ein Missverständnis. Was wahr ist, kommt von der Arbeit, von dem, was darin enthalten ist. In jedem Fall bedeutet der Versuch eines ästhetischen Urteils, die Absicht des Autors zu erkennen und durch seine Arbeit im Sinne des kreativen Aktes in die Offenbarung der plastischen Werte einzudringen, die er ausstrahlt, in die Grundlagen, die ihn stützen, in die Kraft evokativ, dass überträgt und in der Reifung des Genies, das es möglich macht.
In Marins Arbeit ist die Notwendigkeit offensichtlich, den menschlichen Körper in Bewegung zu erfassen. In all seinen Skulpturen zeigt sich der unbefriedigte Wunsch, bestimmte Momente, bestimmte Situationen und Gesten, bestimmte Einstellungen und Augenzwinkern einzufrieren, die, wenn sie in die Figuren eingeprägt werden, auf die Entdeckung einer Sprache ohne Verschleierung hinweisen, die manchmal aufgeladen, sanftmütig und unterwürfig bei anderen ist. , aber eine Sprache, die die definierte Rechnung der Person, die sie formuliert, nicht leugnet. Körper in Bewegung - verstanden als generisches Merkmal seiner Arbeit - hat Vorrang vor jedem anderen plastischen Wert. Diese Exklusivität muss der Tatsache zugeschrieben werden, dass eine Idee des Menschen Gegenstand seiner Kunst ist und so etwas wie eine Ausdrucksphysik konfiguriert, aus der er das gesamte Werk strukturiert, das er bisher produziert hat.
Seine Skulpturen sind materialisierte Bilder, Bilder, die in der natürlichen Realität keine Unterstützung finden: Sie kopieren oder imitieren kein Original und geben es auch nicht vor. Ein Beweis dafür ist, dass Javier Marín mit einem Modell arbeitet. Seine ausdrückliche Absicht ist anderer Natur: Er reproduziert immer wieder mit wenigen Variationen seine Konzeption, seine Art, sich den Menschen vorzustellen. Man könnte fast sagen, dass Javier auf seinem Weg auf den Wegen der Kunst, die den Winkel einer fantastischen Darstellung beleuchteten, auf einen Blitz stieß und sich spontan seiner Intuition hingab und den Aufwärtsmarsch zur Strukturierung einer jetzt unverwechselbaren Persönlichkeit begann.
In seiner skulpturalen Arbeit gibt es eine subtile Definition der Räume, in denen sich die imaginären Charaktere entfalten. Die Skulpturen sind nicht so modelliert, dass sie einen Platz einnehmen, sondern sie sind Formatoren, Schöpfer der Räume, die sie einnehmen: Sie gehen von einem rätselhaften und intimen Innenraum zu einem grundlegenden Äußeren der darin enthaltenen Szenografie über. Als Tänzer deuten die Verzerrung und der körperliche Ausdruck kaum auf den Ort hin, an dem die Handlung stattfindet, und der einzige Vorschlag ist bereits derjenige, der die räumliche Struktur, in der die Darstellung stattfindet, ob Zirkus oder Zirkus, als Zauber unterstützt. von einem dramatischen epischen Sinn oder von einer Farce des komischen Humors. Aber die kreative Operation des Raumes in Marins Werk ist chimärisch, spontan und einfach, was eher darauf abzielt, der Illusion zu begegnen, ohne dass ein intellektueller Wille dazu neigt, die Abstraktion zu rationalisieren. Sein Geheimnis liegt darin, sich ohne mehr oder mehr als Geschenk als Position am visuellen Horizont mit einer bewussten dekorativen und dekorativen Absicht anzubieten. Deshalb schaffen es diese Skulpturen, ohne den Zweck eines aufregenden, raffinierten Denkens zu haben, den künstlichen Menschen zu fesseln, der von der geometrischen Perfektion und der eindeutigen und präzisen Konsistenz des Algorithmus sowie der funktionalen und nützlichen Räume unterworfen ist.
Einige Kritiker schlagen vor, dass Maríns Werk sich auf die klassische Antike und die Renaissance stützt, um seine besondere ästhetische Vision zu erheben. das scheint mir jedoch ungenau zu sein. Ein Grieche wie Phidias oder eine Renaissance wie Michelangelo hätte grundlegende Mängel in Marins Torsos bemerkt, weil diese einfach und einfach nicht in das naturalistische Schema eingebettet werden können, das in der klassischen Ästhetik zusammengefasst ist. Klassische Perfektion versucht auch, die Natur zum olympischen Bereich zu erheben, und die Renaissance-Skulptur versucht, die Transzendenz des Menschen in Marmor oder Bronze zu fixieren, und in diesem Sinne haben die Werke einen starken frommen Charakter. Maríns Skulpturen hingegen entfernen den menschlichen Körper von jeder religiösen Maske, entfernen jeden Heiligenschein der Göttlichkeit, und ihre Körper sind so irdisch wie der Ton, aus dem sie bestehen: Sie sind Stücke vorübergehender Zerbrechlichkeit, bloße Momente eines heimliche Morgendämmerung und sofortige Auflösung.
Die verstörende Erotik, die ihre Figuren ausstrahlen, entspricht einer Tradition, der paradoxerweise jede Tradition fehlt, die alle Vergangenheit ignoriert und jeder Zukunft misstraut. Diese Werke sind das Produkt einer nihilistischen, verarmten, konsumistischen Gesellschaft, die von der Neuheit sklerotisch ist, die sie niemals befriedigt. Diese Welt der Ungläubigen, zu der wir alle gehören, steht plötzlich vor einem imaginären, illusorischen Porträt, das keine andere Unterstützung als eine gegossene Zementbasis hat und keine andere Funktion hat, als sich an die Zerfließung unserer Leidenschaften zu erinnern, schließlich so ätherisch und unbedeutend wie der Seufzer, immer am Rande des Knackens und des tödlichen Zerfalls zu sein. Deshalb wirkt Ton in diesen Stücken, die manchmal wie Bronzen oder mehrjährige Materialien aussehen, aber sie sind nichts anderes als Strukturen aus verbrannter Erde, schwache Figuren, die kurz vor dem Zerfall stehen, und darin tragen sie ihre Kraft und ihre Wahrheit, weil sie auf Unsicherheit anspielen. unserer Wirklichkeit, weil sie uns unsere Bedeutungslosigkeit zeigen, unsere Realität als kosmische Körper von beispielloser Kleinheit.
Marín ist ein Bildhauer, der entschlossen ist, die Größe des mythosschmiedenden athletischen Körpers zu pulverisieren und vielmehr die Begrenzung aufzuheben, Spannung zu erzeugen und das tragische Schicksal des zeitgenössischen Menschen, das durch seine eigenen zerstörerischen Impulse bedroht ist, vor unsere Augen zu stellen. Es ist Ton, das ärmste der Medien, das älteste und zerbrechlichste, das Material, das die Flüchtigkeit der Existenz am treuesten ausdrückt, das nächste Medium, mit dem wir Zeugnis von unserem Durchgang durch die Erde hinterlassen haben, und was Marín benutzt hat, um seinen Platz in der Kunstwelt einzunehmen.
