Einer unserer Experten gibt Ihnen einen Einblick in die Zeit von 1930 bis 1934, als dieses Anwesen als unvollendetes Projekt das beeindruckendste im historischen Zentrum von Mexiko-Stadt wurde.
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts beauftragte Porfirio Díaz den italienischen Architekten Adamo Boari das projekt eines imposanten Nationaltheater das würde die während der Zeit von Santa Anna erhobene ersetzen und seinem Regime einen größeren Glanz verleihen. Die Arbeiten wurden nicht in ihrer ursprünglichen Absicht abgeschlossen, und zwar aus Gründen, die von wirtschaftlich (Kostensteigerung), technisch (der Einsturz des Gebäudes, der in den ersten Baujahren festgestellt wurde) bis politisch (der Ausbruch der revolutionären Bewegung begann 1910). Ab 1912 vergingen die Jahrzehnte ohne nennenswerte Fortschritte in der Arbeit. Schließlich im Jahr 1932, Alberto J. Pani, dann Finanzminister, und Federico Mariscal -Mexikanischer Architekt, Schüler von Boarii- übernahm die Verantwortung für die Fertigstellung des bereits alten Gebäudes. Sie erkannten bald, dass es nicht nur darum ging, das porfirische Theater fertigzustellen, sondern sorgfältig über das neue Schicksal des Gebäudes nach den wichtigen Veränderungen in Mexiko nachzudenken, insbesondere im kulturellen Bereich. In einem Dokument von 1934 erzählen Pani und Mariscal die Geschichte:
"Der Bau des Palastes der Schönen Künste hat über einen langen Zeitraum von dreißig Jahren unzählige Ereignisse durchgemacht, die in unserer Geschichte mit einer radikalen Transformation der Gesellschaft zusammenfallen."
„Von dem Moment an, als 1904 der Grundstein für das prächtige Nationaltheater gelegt wurde, bis zu dem Moment, als im Jahr 1934 alles für die Menschen für ihren Dienst geöffnet wurde, ein Palast der Feinheiten Kunst, so tiefgreifende Veränderungen haben stattgefunden, dass sie sich immer noch in der Baugeschichte widerspiegeln. "
Als nächstes gehen Pani und Mariscal auf die ersten beiden Epochen des Theaterbaus in den ersten Jahrzehnten des Jahrhunderts zurück, um sich mit der Zeit zu befassen, in der sie handelten, was uns jetzt interessiert:
„In der dritten Periode, die nur die Jahre von 1932 bis 1934 umfasst, wird die neue Konzeption entwickelt und verwirklicht. Der Name von Palast der schönen Künste definiert es klar genug, um zu warnen, dass nicht nur das Nationaltheater der porfirischen Aristokratie verschwunden ist - zumindest so, wie es ursprünglich gedacht war -, sondern dass der Nation ein unverzichtbares Zentrum zur Organisation und Präsentation ihrer künstlerischen Manifestationen zur Verfügung gestellt wurde aller Art, theatralisch, musikalisch und plastisch, bisher nicht zerstreut und unwirksam, sondern gebührend in einem zusammenhängenden Ganzen artikuliert, das man mexikanische Kunst nennen kann.
Dies ist die Idee, mit der das revolutionäre Regime, anstatt das Nationaltheater fertigzustellen, seine Fülle erreicht hat und tatsächlich ein neues Gebäude errichtet hat - den Palast der Schönen Künste -, in dem nicht mehr die Abende einer unmöglichen Aristokratie stattfinden werden, sondern das Konzert, die Konferenz, die Ausstellung und die Show, die jeden Tag den Aufstieg einer Kunst wie unserer markieren ... "
Das Dokument besteht auf der Position von Pani:
„… Wenn die Arbeit nicht auf ein soziales Bedürfnis reagiert, kann sie dauerhaft aufgegeben werden. Es geht jetzt nicht darum, es zum Abschluss zu schließen, sondern zu untersuchen, inwieweit das wirtschaftliche Opfer, das sein Abschluss verlangt, auferlegt wird. "
Schließlich beschreiben Pani und Mariscal ausführlich die Änderungen, die dem Boari-Projekt auferlegt wurden, um dem Gebäude die neue Nutzung zu geben, die sie für unverzichtbar hielten. Diese Änderungen beziehen sich auf die Änderungen, die erforderlich sind, damit der Palast seine große Funktionsvielfalt erfüllen kann. Diese Idee war für die damalige Zeit revolutionär, und obwohl wir jetzt daran gewöhnt sind, dürfen wir nicht aus den Augen verlieren, dass der ursprüngliche Platz, den dieses Gebäude seitdem in der mexikanischen Kultur einnimmt, direkt mit der Metamorphose zusammenhängt, die seine Konzeption 1932 erlebte Aktivitäten, die tagsüber im Palast der Schönen Künste stattfinden, mit dem Publikum, das seine temporären Ausstellungen besucht, um seine Wandbilder zu bewundern (die von Rivera und Orozco wurden für die Einweihung des Palastes im Jahr 1934 in Auftrag gegeben, später die von Siqueiros, Tamayo und González Camarena), um ein Buch zu präsentieren oder eine Konferenz anzuhören, wäre es undenkbar, wenn das Gebäude nach den Zielen von Porfirio Díaz fertiggestellt worden wäre. Die Konzeption von Pani y Mariscal ist ein hervorragendes Zeugnis der kulturellen Kreativität, die Mexiko in den Jahrzehnten nach der Revolution voll und ganz erlebt hat.
Pani selbst hatte 1925 in die Entstehung einer anderen nationalen Institution eingegriffen, die aus der Revolution hervorgegangen war: der Bank of Mexico, ebenfalls in einem porfirianischen Gebäude untergebracht, dessen Innenraum für seinen endgültigen Bestimmungsort von modifiziert wurde Carlos Obregon Santacilia mit der heute als Art Deco bekannten dekorativen Sprache. Wie im Fall des Palastes der Schönen Künste machte es die Geburt der Bank notwendig, ihr so weit wie möglich ein Gesicht zu geben, das der neuen Ära entspricht.
In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts suchten Architektur und dekorative Kunst in der Welt nach neuen Wegen und drängten auf eine Renovierung, die das 19. Jahrhundert nicht finden konnte. Der Jugendstil war in dieser Hinsicht ein gescheiterter Versuch, und daraus ein Wiener Architekt, Adolf verliertwürde 1908 verkünden, dass alle Ornamente als Verbrechen angesehen werden sollten.
Mit seiner eigenen Arbeit legte er den Grundstein für die neue rationalistische Architektur, für prägnante geometrische Volumen, etablierte sie aber auch mit einem anderen Wiener. Josef Hoffmann, die Grundlinien des Art Deco, die in den 1920er Jahren als Reaktion auf radikalere Vorschläge entwickelt wurden.
Genießt nicht das Art Deco des kritischen Glücks. Die meisten Geschichten der modernen Architektur ignorieren sie oder verachten sie wegen ihres Anachronismus. Seriöse Architekturhistoriker, die sich damit befassen, tun dies nur am Rande, und diese Haltung wird sich in Zukunft möglicherweise nicht ändern. Die Italiener Manfredo Tafuri Y. Francesco Dal Co., Autoren einer der solidesten Geschichten der Architektur des 20. Jahrhunderts, widmen Art Deco einige Absätze, die kurz gesagt vielleicht die beste Charakterisierung dieses Stils darstellen. Sie analysieren zunächst die Gründe für ihren Erfolg in den USA:
„… Die dekorativen und allegorischen Motive erheben leicht assimilierbare Werte und Bilder, die immer auf streng festgelegten Lösungen auf wirtschaftlicher und technologischer Ebene beruhen. [..] Die Art-Deco-Architektur passt sich den unterschiedlichsten Situationen an: Die Exzentrizität ihrer Dekorationen erfüllt die Werbeabsichten großer Unternehmen, und eine feierliche Symbolik qualifiziert die Unternehmenszentrale und öffentliche Gebäude. Das luxuriöse Interieur, das anstrengende Spiel der aufsteigenden Linien, die Rückgewinnung der unterschiedlichsten Zierlösungen, die Verwendung der raffiniertesten Materialien - all dies reicht aus, um dem Fluss einen neuen „Geschmack“ und eine neue „Qualität“ der Massen zu verleihen. chaotisch vom Konsum in der Metropole. "
Tafuri und dal Co analysieren auch den Kontext der Pariser Ausstellung von 1925, die Art Deco in Umlauf brachte.
„Im Wesentlichen wurde die Operation auf die Einführung einer Mode und eines neuen Geschmacks der Massen reduziert, die in der Lage sind, die typisch bürgerlichen Ambitionen der Erneuerung zu interpretieren, ohne in den Provinzialismus zu verfallen, aber eine Garantie für Mäßigung und leichte Assimilation bieten. Es ist ein Geschmack, der in einem weiten Bereich der nordamerikanischen Architektur einen enormen Einfluss haben wird und in Frankreich eine ruhige Vermittlung zwischen Avantgarde und Tradition gewährleistet. "
Genau diese Situation des Kompromisses zwischen Avantgarde und Vergangenheit machte Art Deco besonders geeignet, um ein Gebäude wie den Palast der Schönen Künste fertigzustellen, das vor dreißig Jahren in der Sprache einer heute ausgestorbenen Tradition begonnen wurde. Die sehr hohe Leere unter den Kuppeln, die den großen Saal des Gebäudes bedecken, um den sich die Ausstellungsräume drehen, ermöglichte es, auf spektakuläre Weise „das anstrengende Spiel der aufsteigenden Linien“ zu zeigen. Die nationalistischen Strömungen, die damals in der mexikanischen Kunst präsent waren, würden auch im Art Deco die angemessene Unterstützung finden, um im Palast "die dekorativen und allegorischen Motive [die] leicht assimilierbare Werte und Bilder erheben" anzuwenden und jede Gelegenheit zu nutzen, um uns mit "der Exzentrizität von" zu überraschen seine Dekorationen “und„ eine feierliche Symbolik “, ohne zu vergessen„ die Wiederherstellung der verschiedensten Zierlösungen [und] die Verwendung der raffiniertesten Materialien “. Es gibt keine besseren Worte als die oben genannten, um unter anderem die mexikanischen Motive zu beschreiben - Mai-Masken, Kakteen, polierter Stahl und Bronze, die die Aufmerksamkeit der Besucher des Palastes auf sich ziehen.
Ein Neffe von Alberto J. Pani, dem jungen Architekten Mario PaniDer Absolvent der École des Beaux-Arts in Paris diente der renommierten französischen Firma Edgar Brandt, deren Boom genau mit Art Deco zusammenfiel, als Bindeglied, um die oben genannten dekorativen Elemente bereitzustellen (zu denen wir Türen hinzufügen müssen). Türen, Geländer, Handläufe, Lampen und einige Möbelstücke), die ein so wichtiger Bestandteil der Dekoration der Veranstaltungshalle, der Lobby und der Ausstellungsbereiche sind. Der Rest der beeindruckenden Wirkung dieser Räume wurde mit einer bemerkenswerten Ausstellung von selten gefärbtem Nationalmarmor und Onyx erzielt. Schließlich wurde die Verkleidung der Kuppel, die das Äußere des Palastes abschließt, im gleichen Stil von entworfen Roberto Alvarez Espinoza Verwendung von Kupferrippen auf der Metallverstärkung und Keramikbeschichtungen aus Metalltönen und Winkelgeometrie in den Segmenten, die die Rippen trennen. Diese Kuppeln, deren chromatische Abstufung von Orange über Gelb bis Weiß reicht, bilden eines der charakteristischsten Merkmale des Palastes und stellen den wichtigsten Ausdruck des Art Déco von außen dar.
Aber nicht nur der erfolgreiche Effekt, der im Gebäude erzielt wurde, mit der exquisiten Dekoration, die die Fertigstellung ermöglichte, sollte jetzt unsere Aufmerksamkeit auf sich ziehen. Wie bereits erwähnt, sollte daran erinnert werden, dass nach den wunderbaren Art-Deco-Murmeln, Stählen, Bronzen und Kristallen, die wir jetzt sehen, eines der originellsten künstlerischen Verbreitungsprojekte seit seiner Einweihung am 29. September 1934 ebenfalls gestiegen ist. Überall auf der Welt, nicht zufällig in einem Moment von besonderer Intensität in der Kulturgeschichte unseres Landes konzipiert: dem Palast der Schönen Künste.
