Erfahren Sie mehr über die Vorgeschichte und Beiträge der mexikanischen Musik zu dieser Form des universellen Ausdrucks von großer Bedeutung.
Die Geschichte der mexikanischen Konzertmusik hat im Laufe des 20. Jahrhunderts verschiedene Perioden, ästhetische Strömungen und Musikstile durchlaufen. Es begann mit einer romantischen Zeit zwischen 1900 und 1920 und setzte sich mit einer Zeit nationalistischer Bestätigung (1920-1950) fort, die beide durch das Vorhandensein anderer gleichzeitiger musikalischer Strömungen gemildert wurden. In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts konvergierten verschiedene experimentelle und avantgardistische Trends (ab 1960).
Die Produktion der mexikanischen Komponisten des 20. Jahrhunderts ist die am häufigsten vorkommende in unserer Musikgeschichte und zeigt eine sehr breite Palette von Musikpraktiken, ästhetischen Vorschlägen und kompositorischen Ressourcen. Um die Vielfalt und Pluralität der mexikanischen Konzertmusik im 20. Jahrhundert zusammenzufassen, ist es zweckmäßig, auf drei historische Perioden zu verweisen (1870-1910, 1910-1960 und 1960-2000).
Der Übergang: 1870-1910
Nach der traditionellen historischen Version gibt es zwei Mexikaner: den vor der Revolution und den, der daraus geboren wurde. Einige neuere historische Studien zeigen jedoch, dass vor dem bewaffneten Konflikt von 1910 in mehrfacher Hinsicht ein neues Land entstand. Die lange historische Periode von mehr als drei Jahrzehnten, die von Porfirio Díaz dominiert wurde, war trotz seiner Konflikte und Fehler eine Bühne der wirtschaftlichen, sozialen und kulturellen Entwicklung, die den Grundstein für die Entstehung eines modernen Mexikos legte, das mit anderen europäischen und amerikanischen Ländern verbunden ist. Diese internationale Eröffnung war die Grundlage einer kulturellen und musikalischen Entwicklung, die von neuen kosmopolitischen Trends genährt wurde und die Trägheit der Stagnation zu überwinden begann.
Es gibt mehrere historische Hinweise, die zeigen, dass sich die Konzertmusik nach 1870 zu verändern begann. Obwohl die romantische Versammlung und Lounge weiterhin ein günstiges Umfeld für intime Musik darstellten und der soziale Geschmack für Bühnenmusik bekräftigt wurde (Oper, Zarzuela, Operette usw.), die Traditionen des Komponierens, Aufführens und Verbreitens von Musik ändern sich allmählich. Im letzten Viertel des 19. Jahrhunderts wurde die mexikanische pianistische Tradition (eine der ältesten in Amerika) gefestigt, Orchesterproduktion und Kammermusik wurden entwickelt, Volks- und Popmusik wurden wieder in professionelle Konzertmusik integriert und neue Repertoires, die in Form und Genre ehrgeiziger sind (um die Tänze und kurzen Stücke des Saals zu überwinden). Komponisten näherten sich der neuen europäischen Ästhetik, um ihre Sprachen (Französisch und Deutsch) zu erneuern, und die Schaffung einer modernen Musikinfrastruktur wurde begonnen oder fortgesetzt, die später in Theatern, Musikhallen, Orchestern, Musikschulen usw. zu hören war.
Der mexikanische Musiknationalismus entstand aus den sozialen und kulturellen Auswirkungen der Revolution. In verschiedenen Ländern Lateinamerikas untersuchten Komponisten gegen Mitte des 19. Jahrhunderts einen nationalen Stil. Die Suche nach nationaler Identität in der Musik begann mit einer romantischen indigenen Bewegung in Peru, Argentinien, Brasilien und Mexiko, die auf vorspanischen Symbolen basiert, die für die Oper attraktiv sind. Der mexikanische Komponist Aniceto Ortega (1823–1875) Premiere seiner Oper Guatimotzin 1871 auf einem Libretto, das Cuauhtémoc als romantischen Helden darstellt.
Bereits im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert wurde in Mexiko und seinen Partnerländern ein klarer musikalischer Nationalismus wahrgenommen, der von nationalistischen Strömungen in Europa beeinflusst wurde. Dieser romantische Nationalismus ist das Ergebnis eines Prozesses der "Kreolisierung" oder musikalischen Fehlgenerierung zwischen europäischen Gesellschaftstänzen (Walzer, Polka, Mazurka usw.), amerikanischen Volksgenres (Habanera, Tanz, Gesang usw.) und der Einbeziehung von lokale musikalische Elemente, ausgedrückt durch die dominierende europäische romantische Sprache. Zu den romantischen nationalistischen Opern zählen El Rey Poeta (1900) von Gustavo E. Campa (1863-1934) und Atzimba (1901) von Ricardo Castro (1864-1907).
Die ästhetischen Ideen der romantischen nationalistischen Komponisten repräsentierten die Werte der Mittel- und Oberschicht der Zeit in Übereinstimmung mit den Idealen der europäischen Romantik (Erhöhung der Musik des Volkes auf das Niveau der Kunst). Es ging darum, bestimmte Elemente der Popmusik zu identifizieren, zu retten und mit den Ressourcen der Konzertmusik zu versorgen. Die zahlreichen Salonmusikstücke, die in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts veröffentlicht wurden, enthielten virtuose Arrangements und Versionen (für Klavier und Gitarre) der berühmten "National Airs" und "Country Dances", durch die einheimische Musik in Konzertsälen eingeführt wurde. Konzert- und Familienzimmer, präsentabel für die Mittelschicht. Zu den mexikanischen Komponisten des 19. Jahrhunderts, die zur Suche nach nationaler Musik beigetragen haben, gehören Tomás León (1826-1893), Julio Ituarte (1845-1905), Juventino Rosas (1864-1894), Ernesto Elorduy (1853-1912), Felipe Villanueva (1863-1893) und Ricardo Castro. Rosas wurde international mit seinem Walzer berühmt (Auf den Wellen, 1891)Während Elorduy, Villanueva und andere den leckeren mexikanischen Tanz pflegten, basierend auf dem synkopierten Rhythmus der kubanischen Contradanza, dem Ursprung der Habanera und des Danzón.
Eklektizismus: 1910-1960
Wenn etwas die mexikanische Konzertmusik in den ersten sechs Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts charakterisiert, dann ist es Eklektizismus, verstanden als Suche nach Zwischenlösungen jenseits extremer Positionen oder in Richtung einer einzigen ästhetischen Richtung. Musikalischer Eklektizismus war der Zusammenfluss verschiedener Stile und Trends mexikanischer Komponisten, die während ihrer kreativen Karriere mehr als einen Musikstil oder eine ästhetische Strömung pflegten. Darüber hinaus suchten viele Komponisten durch Hybridisierung oder stilistische Mischung nach ihrem eigenen Musikstil, basierend auf den verschiedenen ästhetischen Strömungen, die sie aus der europäischen und amerikanischen Musik assimilierten.
In dieser Zeit hat die Mehrheit der mexikanischen Komponisten einen vielseitigen Weg eingeschlagen, der es ihnen ermöglichte, sich verschiedenen Stilen zu nähern, die nationale oder andere musikalische Elemente kombinieren. Die Haupttrends, die in der Zeit von 1910 bis 1960 gepflegt wurden, waren neben dem nationalistisch, postromantisch oder neoromantisch, impressionistisch, expressionistisch und neoklassisch, neben anderen außergewöhnlichen, wie den sogenannten Mikrotonalismus.
In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts waren Musik und Kunst nicht immun gegen den großen Einfluss des Nationalismus, einer ideologischen Kraft, die zur politischen und sozialen Konsolidierung der lateinamerikanischen Länder bei der Suche nach ihrer eigenen kulturellen Identität beitrug. Obwohl der musikalische Nationalismus um 1930 in Europa an Bedeutung verlor, blieb er in Lateinamerika bis nach 1950 eine wichtige Strömung. Das postrevolutionäre Mexiko befürwortete die Entwicklung des musikalischen Nationalismus auf der Grundlage der vom mexikanischen Staat in allen Ländern angewandten Kulturpolitik. Kunst. In der nationalistischen Ästhetik verankert, unterstützten die offiziellen Kultur- und Bildungseinrichtungen die Arbeit von Künstlern und Komponisten und förderten die Festigung einer modernen musikalischen Infrastruktur auf der Grundlage von Lehre und Verbreitung.
Das Musikalischer Nationalismus Besteht aus der Assimilation oder Wiederherstellung der einheimischen Popmusik durch Komponisten von Konzertmusik, entweder direkt oder indirekt, offensichtlich oder verschleiert, explizit oder sublimiert. Der mexikanische Musiknationalismus war anfällig für stilistische Vermischungen, was die Entstehung zweier nationalistischer Phasen und verschiedener hybrider Stile erklärt. Das romantischer Nationalismus, geführt von Manuel M. Ponce (1882-1948) In den ersten zwei Jahrzehnten des Jahrhunderts wurde die Rettung des mexikanischen Liedes als Grundlage einer nationalen Musik betont. Unter den Komponisten, die Ponce auf diese Weise folgten, waren José Rolón (1876-1945), Arnulfo Miramontes (1882-1960) und Estanislao Mejía (1882-1967). Das indigener Nationalismus hatte als seinen bemerkenswertesten Führer Carlos Chávez (1899-1978) für die nächsten zwei Jahrzehnte (1920 bis 1940), Eine Bewegung, die vorspanische Musik durch die Verwendung indigener Musik der damaligen Zeit nachbilden wollte. Unter den vielen Komponisten dieser indigenen Phase finden wir Candelario Huízar (1883-1970), Eduardo Hernández Moncada (1899-1995), Luis Sandi (1905-1996) und die sogenannte „Gruppe der Vier“, gebildet von Daniel Ayala (1908-1975), Salvador Contreras (1910-1982) ), Blas Galindo (1910-1993) und José Pablo Moncayo (1912-1958).
Zwischen den 1920er und 1950er Jahren entstanden andere hybride nationalistische Stile wie der impressionistischer Nationalismus, in bestimmten Werken von Ponce, Rolón, Rafael J. Tello (1872-1946), Antonio Gomezanda (1894-1964) und Moncayo; das realistischer und expressionistischer Nationalismus von José Pomar (1880-1961), Chávez und Silvestre Revueltas (1899-1940)und bis zu Neoklassischer Nationalismus, praktiziert von Ponce, Chávez, Miguel Bernal Jiménez (1910-1956), Rodolfo Halffter (1900-1987) und Carlos Jiménez Mabarak (1916-1994). Ende der fünfziger Jahre eine deutliche Erschöpfung der verschiedenen Versionen des Mexikanischer Musiknationalismus, Dies ist zum Teil auf die Offenheit und Suche der Komponisten gegenüber neuen kosmopolitischen Strömungen zurückzuführen, von denen einige in den USA und im Europa der Nachkriegszeit ausgebildet wurden.
Obwohl in Lateinamerika bis in die 1950er Jahre der musikalische Nationalismus vorherrschte, entstanden ab Beginn des 20. Jahrhunderts andere musikalische Strömungen, von denen einige fremd und andere der nationalistischen Ästhetik nahe standen. Einige Komponisten waren von der dem Nationalismus entgegengesetzten musikalischen Ästhetik angezogen und erkannten, dass nationalistische Stile sie auf den einfachen Weg des regionalistischen Ausdrucks und weg von neuen internationalen Trends führten. Ein einzigartiger Fall in Mexiko ist der von Julián Carrillo (1875-1965), dessen umfangreiches musikalisches Werk von einer tadellosen germanischen Romantik zu einem Mikrotonalismus (klingt weniger als der Halbton) überging und dessen Theorie von Ton 13 brachte ihm internationalen Ruhm ein. Ein weiterer Sonderfall ist der von Carlos Chavez, Nachdem er den Nationalismus mit Inbrunst aufgenommen hatte, verbrachte er den Rest seiner Karriere als Komponist damit, die fortschrittlichsten Strömungen der kosmopolitischen Avantgarde-Musik zu üben, zu lehren und zu verbreiten.
Das (Neo / Post) Romantik Es war seit Beginn des 20. Jahrhunderts erfolgreich und war ein glücklicher Stil im Geschmack des Publikums für seine klangliche Effizienz und sentimentale Hervorrufung sowie unter Komponisten für seine Vielseitigkeit in Bezug auf stilistisches Mischen. Unter den ersten neoromantischen Komponisten des Jahrhunderts (Tello, Carrasco, Carrillo, Ponce, Rolón usw.) waren einige zeitlebens so (Carrasco, Alfonso de Elías), andere nicht mehr so später (Carrillo, Rolón) und einige Sie suchten die Kombination dieses Stils mit anderen kompositorischen Ressourcen, ob Nationalist, Impressionist oder Neoklassiker (Tello, Ponce, Rolón, Huízar). Der neuartige französische Einfluss des Impressionismus zu Beginn des Jahrhunderts (Ponce, Rolón, Gomezanda) prägte bis in die 1960er Jahre das Werk einiger Komponisten (Moncayo, Contreras). Ähnliches geschah mit zwei anderen Strömen, die mit dem vorherigen koexistierten: Expressionismus (1920-1940), mit seiner Suche nach Ausdrucksintensität jenseits des formalen Gleichgewichts (Pomar, Chávez, Revueltas) und Neoklassizismus (1930-1950), mit seiner Rückkehr zu klassischen Formen und Genres (Ponce, Chávez, Galindo, Bernal Jiménez, Halffter, Jiménez Mabarak). All diese Strömungen ermöglichten es den mexikanischen Komponisten der Zeit von 1910 bis 1960, auf den Wegen des musikalischen Eklektizismus zu experimentieren, bis eine stilistische Hybridität erreicht wurde, die zur Koexistenz mehrerer Identitäten führte, den verschiedenen Gesichtern unserer mexikanischen Musik.
Kontinuität und Bruch: 1960-2000
In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts erlebte die lateinamerikanische Konzertmusik Tendenzen der Kontinuität und des Bruchs, die zu einer Vielfalt von Musiksprachen, -stilen und -ästhetiken in der Kompositionspraxis führten. Neben der Pluralität und dem Aufblühen verschiedener Strömungen gibt es in den Großstädten auch einen allmählichen Trend zum Kosmopolitismus, der offener für die Einflüsse internationaler Musikbewegungen ist. Bei der Assimilation der „neuen Musik“ aus Europa und den USA gingen die fortschrittlichsten lateinamerikanischen Komponisten durch vier Stufen bei der Übernahme externer Modelle: squalitative Auswahl, Nachahmung, Erholung und Transformation (Aneignung), je nach sozialem Umfeld und individuellen Bedürfnissen oder Vorlieben. Einige Komponisten erkannten, dass sie aus ihren lateinamerikanischen Ländern zu kosmopolitischen Musiktrends beitragen konnten.
Ab 1960 tauchten in den meisten amerikanischen Ländern neue musikalische Strömungen experimenteller Natur auf. Komponisten, die sich den Breakout-Trends anschlossen, stellten bald fest, dass es nicht einfach sein würde, offizielle Vermerke für die Veröffentlichung, Aufführung und Aufnahme ihrer Musik zu erhalten, was einige lateinamerikanische Schöpfer dazu veranlasste, sich in Europa, den USA und Kanada niederzulassen. Aber diese schwierige Situation begann sich ab den siebziger Jahren zu ändern Argentinien, Brasilien, Chile, Mexiko und Venezuela, wenn die Komponisten der "neue Musik" Sie fanden Unterstützung von internationalen Organisationen, gründeten nationale Verbände, gründeten Labors für elektronische Musik, unterrichteten an Musikschulen und Universitäten und ihre Musik wurde durch Festivals, Versammlungen und Radiosender verbreitet. Mit diesen Strategien wurde die Isolation avantgardistischer Komponisten verringert, die fortan interagieren und bessere Bedingungen für die Schaffung und Verbreitung sogenannter zeitgenössischer Musik genießen konnten.
Der Bruch mit den nationalistischen Strömungen begann Ende der 1950er Jahre in Mexiko und wurde von angeführt Carlos Chávez und Rodolfo Halffter. Die Entstehung des Bruches brachte bemerkenswerte Komponisten pluralistischer Tendenzen hervor, die bereits heute "Klassiker" der neuen mexikanischen Musik sind: Manuel Enríquez (1926-1994), Joaquín Gutiérrez Heras (1927), Alicia Urreta (1931-1987), Héctor Quintanar (1936) und Manuel de Elías (1939). Die nächste Generation konsolidierte die experimentellen und hochmodernen Suchanfragen mit so wichtigen Entwicklern wie Mario Lavista (1943), Julio Estrada (1943), Francisco Núñez (1945), Federico Ibarra (1946) und Daniel Catán (1949); unter anderem. In den 1950er Jahren geborene Autoren öffneten sich weiterhin neuen Sprachen und Ästhetiken, jedoch mit einer klaren Tendenz zur Hybridität mit sehr unterschiedlichen musikalischen Strömungen: Arturo Márquez (1950), Marcela Rodríguez (1951), Federico Álvarez del Toro (1953), Eugenio Toussaint (1954), Eduardo Soto Millán (1956), Javier Álvarez (1956), Antonio Russek (1954) und Roberto Morales (1958) , unter den bekanntesten.
Die Strömungen und Stile der mexikanischen Musik aus der Zeit von 1960 bis 2000 sind vielfältig und pluralistisch, zusätzlich zu denen, die mit dem Nationalismus brachen. Es gibt mehrere Komponisten, die sich in einer Art Neonationalismus befinden können, weil sie darauf bestehen, Stile im Zusammenhang mit populärer Musik zu pflegen, die mit neuen Techniken gemischt sind: unter ihnen Mario Kuri Aldana (1931) und Leonardo Velázquez (1935). Einige Autoren näherten sich einem neuen neoklassischen Trend, wie dies bei Gutiérrez Heras, Ibarra und Catán der Fall ist. Andere Komponisten haben sich einem Trend zugewandt "Instrumentelle Renaissance", das sucht neue Ausdrucksmöglichkeiten mit traditionellen Musikinstrumenten, deren wichtigste Kultivierende sind Mario Lavista und einige seiner Jünger (Graciela Agudelo, 1945; Ana Lara, 1959; Luis Jaime Cortés, 1962 usw.).
Es gibt mehrere musikalische Schöpfer, die an neuen experimentellen Strömungen beteiligt waren, wie zum Beispiel den sogenannten "Neue Komplexität" (Suche nach der komplexen und konzeptuellen Musik), in der er sich hervorgetan hat Julio Estrada, ebenso wie elektroakustische Musik und der mächtige Einfluss von Musikalisches Rechnen aus den achtziger Jahren (Álvarez, Russek und Morales). In den letzten zehn Jahren experimentieren einige Komponisten, die in den 1950er und 1960er Jahren geboren wurden, mit hybriden Trends, die urbane Popmusik und mexikanische ethnische Musik auf neue Weise nachbilden. Einige dieser Partituren haben neotonale Merkmale und eine direkte Emotion, die es geschafft hat, ein breites Publikum zu fesseln, weit entfernt von avantgardistischen Experimenten. Zu den beständigsten gehören Arturo Márquez, Marcela Rodríguez, Eugenio Toussaint, Eduardo Soto Millán, Gabriela Ortiz (1964), Juan Trigos (1965) und Víctor Rasgado (1956).
Tradition und Erneuerung, Pluralität und Vielfalt, Eklektizismus und Vielseitigkeit, Identität und Vielfalt, Kontinuität und Bruch, Suche und Experimentieren: Dies sind einige nützliche Worte, um eine lange Musikgeschichte zu verstehen, die vor mehr als hundert Jahren die musikalische Kreativität Mexikos entwickelt hat Bis zu einem privilegierten Ort in den amerikanischen Ländern sowie einer beachtlichen weltweiten Anerkennung in den zahlreichen Aufnahmen (national und international), die die Werke unserer Komponisten verdient haben, den verschiedenen Gesichtern der mexikanischen Musik des 20. Jahrhunderts.
Quelle: Mexiko en el Tiempo Nr. 38 September / Oktober 2000
